Jeśli jesteś ciekawy stylu secesyjnego, trafiłeś we właściwe miejsce. Ten międzynarodowy styl projektowania jest połączeniem natury i przemysłu i stał się bardzo popularny podczas rewolucji przemysłowej. Jest również znany pod wieloma różnymi nazwami w innych językach, w tym Jugendstil, Stile Liberty, Modernisme Català i Modern Style. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej. Ale najpierw porozmawiajmy o tym, czym jest secesja.

Secesja była reakcją na rewolucję przemysłową

Ruch Arts and Crafts, urodzony w Wielkiej Brytanii, był reakcją na rewolucję przemysłową i był w dużej mierze reakcją na tę zmianę. Ten nowy ruch objął organiczne formy, a tkaniny były ważną częścią secesyjnego wystroju wnętrz. William Morris i dom towarowy Liberty pomogli spopularyzować ten styl w całej Europie. Szkoła w Glasgow wprowadziła charakterystyczne wzory, w tym stylizowane jajka, geometryczne kształty i różę Glasgow.

Płytki miały odrodzenie na początku industrializacji, dzięki temu, że są wodoodporne, trudnopalne i odporne na zanieczyszczenia. Ponadto były niedrogie w produkcji i trwały znacznie dłużej niż kamień. Kolejną zaletą płytek było to, że były łatwe do czyszczenia. Wraz z rozwojem łazienki i rosnącym uznaniem dla higienicznego wzornictwa w kuchni, ten nowy materiał budowlany szybko stał się popularny. W rezultacie artyści stylu szybko dostosowali się do tego nowego materiału budowlanego.

Podczas gdy ruch Art déco miał swoje korzenie w sztuce, rewolucja przemysłowa zapoczątkowała erę nowożytną. Pod koniec XIX wieku masowo produkowane dobra konsumpcyjne nasyciły rynek. Projektanci zdali sobie sprawę, że ten trend grozi zniszczeniem ręcznie robionych dzieł, które kiedyś były powszechne. W odpowiedzi na tę zmianę secesyjni artyści starali się ożywić rzemiosło z przeszłości, podnieść status rzemiosła i stworzyć prawdziwie nowoczesny design.

Połączenie natury i przemysłu

Mieszanka przemysłu i natury była znana jako styl ruchu secesyjnego. Ruch ten rozpoczął się w 1880 roku i rozprzestrzenił się w Europie Zachodniej, Stanach Zjednoczonych i Japonii. Zainspirowany celtyckimi motywami graficznymi, japońskimi mistrzami i pieśniami niewinności Williama Blakesa, ruch secesyjny wziął naturę za swoją muzę i wykorzystał ją do tworzenia pięknych, funkcjonalnych przedmiotów. Artyści zaadaptowali te pomysły w nowym stylu z unikalną mieszanką naturalnych materiałów.

Ten styl został po raz pierwszy wprowadzony w 1880 roku w magazynie w Belgii o nazwie Lart Moderne. Dwudziestu artystów było częścią grupy znanej jako Les Vingt. Ich celem było zreformowanie społeczeństwa poprzez sztukę. Odpowiedzieli czołowym teoretykom XIX wieku, którzy opowiadali się za jednością w sztuce. John Ruskin, na przykład, opowiadał się za zjednoczeniem sztuk pięknych, a celem grup było połączenie tych dwóch.

W XVIII wieku niemiecki zoolog Ernst Haeckel, zwolennik darwinizmu, był wpływową postacią w ruchu artystycznym i rzemieślniczym. Jego obrazy i rysunki z podróży inspirowały artystów secesyjnych. Z kolei oni adaptowali i transponowali motywy botaniczne do swoich projektów. Oprócz Haeckela, Eugene Grasset, pochodzenia szwajcarskiego, nauczyciel i artysta tego stylu, również wpłynął na secesję.

Był popularny wśród bogatych, ale nie tylko

Pierwsze przykłady secesji znaleziono w Brukseli w 1890 roku, w Hankar House Paula Hankara. Styl został później zaadaptowany przez Hectora Guimarda w Paryżu, w tym w nowych wejściach do metra. Do 1895 roku styl zyskał popularność we Francji, kiedy Siegfried Bing otworzył własną galerię. Bing, znany ze swojej pracy z japońską ceramiką, zaczął sprzedawać meble, tkaniny, tapety i przedmioty Dart.

Chociaż styl ten został początkowo przyjęty przez bogatych, był również popularny wśród biednych. Niezbyt bogaci ludzie zaczęli doceniać styl, głównie dlatego, że był dostępny. Był dostępny dla bogatych, ponieważ był doceniany zarówno przez bogatych, jak i niezamożnych. Wywodzi się ze stylu neoklasycznego, ale był również pod wpływem sztuki japońskiej.

Styl secesyjny miał na celu zatarcie granic między sztuką użytkową a sztuką piękną. Z drugiej strony sztuka użytkowa przyjęła sztukę do celów praktycznych i zastosowała ją do przedmiotów codziennego użytku. Ten styl często skutkował przedmiotami, które nie wyglądały jak obrazy, ale raczej praktyczne elementy. W rzeczywistości wiele dzieł sztuki secesyjnej nie było obrazami, ale praktycznymi przedmiotami.

W całej Europie ruch secesyjny zyskiwał na popularności. Każdy kraj miał swoje własne cechy i nazwy, ale był również popularny w wielu miastach. Secesja często pojawiała się w szybko rozwijających się miastach, które były również ośrodkami tożsamości artystycznej i ruchów niepodległościowych. Na przykład Barcelona była kiedyś częścią Imperium Rosyjskiego, podczas gdy Helsinki stały się częścią katalońskiego ruchu niepodległościowego. Był również pod wpływem stylów angielskich, takich jak sztuka i rzemiosło.

To był psychodeliczny styl

Istnieje wiele śladów secesji w sztuce psychodelicznej lat 1960. Tymczasem psychodeliczni artyści demonstrowali swój bunt przeciwko przemysłowemu kompleksowi. Artyści ci, znani jako acid rockers, mieli siedzibę w San Francisco. W swoich dziełach sztuki używali jasnych kolorów i ostrych kontrastów, aby wywołać surrealistyczne doświadczenie. Niektóre z tych elementów są jednak świadomie plagiatowane z secesji.

W epoce psychodelików artyści używali falistych czcionek i szczegółowych dwuwymiarowych ilustracji. Często zawierały abstrakcyjne kształty i kwiaty. Ponadto niektórzy psychodeliczni artyści zaadaptowali obrazy z plakatów secesyjnych, aby stworzyć niepowtarzalny styl. Styl psychodeliczny stał się synonimem nowego brzmienia. Plakaty te były szeroko stosowane jako okładki albumów i okładek czasopism oraz porównywane do wizualizacji podróży po LSD.

Era psychodeliczna wpłynęła na projekty wielu współczesnych i klasycznych malarzy. Jednym z najbardziej znanych przykładów tego stylu sztuki jest plakat z koncertu psychodelicznego rocka The Family Dog z 1970 roku. Jego wirujące wzory i obsesja na punkcie natury i roślin były popularne wśród młodego psychodelicznego tłumu rockowego. Dlatego secesyjne plakaty stały się jednym z najskuteczniejszych sposobów na ogłoszenie nadchodzącego pokazu.

Styl psychodeliczny wpłynął na artystów z wielu różnych krajów. Pierwsza manifestacja stylu miała miejsce w Europie, ale szybko rozwijała się na całym świecie. Pierwotnie nazwany secesją, termin ten został później przetłumaczony na kilka innych języków. Niektóre kraje zachodnie nazwały ten styl sztukami widowiskowymi, aw Stanach Zjednoczonych nazywano go Tiffany. Ale termin psychodeliczny obejmuje również wiele innych stylów, takich jak surrealizm i secesja Wiednia. Lampy i przedmioty dekoracyjne zainspirowały wielu artystów, czasem szklarzy i stolarzy, a nawet jedno i drugie, lampy odniosły wielki sukces, o czym świadczy historia lampa Tiffany w witrażu.

Kute żelazo w architekturze

Francuski styl architektoniczny, secesja, używał kutego żelaza w swoich budynkach. Jego twórcami byli Frantz Jourdain i Carson, Pirie i Scott, znana chicagowska firma. W 1893 roku Horta zaprojektował dom dla niego i dwóch nauczycieli, dla których był kolegą masonem. Dom żołędzi jest często uważany za pierwszy secesyjny budynek. Celem pracy Hortasa było stworzenie indywidualnego stylu, a odsłonięte żelazo było często skręcane w ornamenty i wąsy winorośli.

Ten styl narodził się w Europie i był odpowiedzią na rewolucję przemysłową. Przyjął użycie nowych materiałów, w tym odsłoniętego żelaza i nieregularnie ukształtowanego dużego szkła. Oprócz wykorzystania nowych materiałów, secesja wykorzystała postęp technologiczny z końca XIX wieku. Secesja była również pod silnym wpływem pojawienia się samochodu, ponieważ stał się pierwszym masowo produkowanym samochodem. Jednak jego głównym wpływem na nowoczesną architekturę jest styl ruchu art deco.

Zastosowanie kawałków szkła o nieregularnych kształtach

Pod koniec XIX wieku francuscy projektanci zaczęli wykorzystywać sztukę szkła, szukając unikalnych sposobów na pokazanie jej nieprzezroczystości i podwójnych warstw. Ruch ten rozprzestrzenił się na całą Francję, a francuskie miasto Nancy stało się centrum projektowania. Daum Studio, kierowane przez Auguste'a Dauma, połączyło siły z jednymi z najbardziej utalentowanych artystów tamtych czasów. Wśród tych artystów byli francuskie szkło, Amalric Walter i ceramik Auguste Daum.